Jak się przygotować jako reżyser
Jesteś reżyserem filmu. Co to znaczy? Czym zajmuje się reżyser? Jak ty to robisz?
Jest tak wiele błędnych wyobrażeń na temat reżyserów filmowych, wielu z nich utrwalanych przez nich samych, i tak ciężka mitologia związana z tą pozycją, że romantyczna wersja jest prawie zawsze zarówno przeceniana, jak i niedoceniana.
Tak, oczywiście, wszyscy chcemy myśleć o reżyserze jako o artyście, aw najlepszych okolicznościach tak jest. Ale pierwszą rzeczą, w którą angażują się wszyscy dyrektorzy, jest zarządzanie . Ich praca polega w zasadzie na odpowiadaniu na około 1000 pytań dziennie, wydawaniu kolejnych 1000 zamówień i zmaganiu się z 1000 problemów, a wszystko to ma na celu urzeczywistnienie wizji. Czasami służy to artystycznemu impulsowi z głębi duszy. Czasami dyrektor jest niewiele więcej niż pracownikiem spełniającym życzenia strategii komunikacyjnej klienta. Ale zawsze praca polega na ułożeniu puzzli z niedokładnym obrazem, a czasami nie ma go wcale, poza tym, co leży w oku umysłu.
Krótko mówiąc, reżyser kieruje obsadą i ekipą, aby wykonać każdą z ich wielu wyspecjalizowanych funkcji, aby zrealizować symfonię dźwięku i wizji, która materializuje się w ostatecznym dziele. To tak, jak dzieje się w muzyce klasycznej, gdzie dyrygent łączy różne instrumenty, aby wykonać większy utwór. Tylko w filmie reżyser faktycznie łączy wiele dyscyplin artystycznych, a nie tylko jedną (muzykę). Aby ostateczna wizja zakończyła się sukcesem, musi zostać wprawiona w zakłopotanie mieszanina rzemiosła – pisanie, aktorstwo, fotografia, nagrywanie dźwięku, ilustracje, malarstwo, stolarstwo, elektrotechnika, stylizacja, krawiectwo i wiele więcej.
I to reżyser, na którego barki spada ciężar wszystkich trybików. Oni są mistrzami, jeśli wszystko działa; są facetami od upadku, gdy wszystko zawodzi. Jeszcze zastraszony? Tylko głupiec nie byłby…
Nie ma jednego prawdziwego podejścia do reżyserii. Metody różnią się od skrupulatnego przygotowania do instynktownej improwizacji. Często najlepsze będzie połączenie kilku podejść. To misja Kichota, która wymaga doskonale wyostrzonego sprytu, ogromnej pewności siebie i wyostrzonego instynktu. Różni ludzie będą bardziej opierać się na różnych cechach, aby przejść przez ten proces, a książki zostały wypełnione dyskusją o stylach i metodach wielkich reżyserów filmowych w historii. Są jednak podstawy tej pracy – podstawowe rzeczy, które trzeba zrobić i które wymagają pełnej uwagi reżysera. Dotyczy to w równym stopniu filmów fabularnych, reklam, a nawet 30-sekundowych filmów na YouTube. Niezależnie od tego, jak chcesz się do tego zabrać, bądź przygotowany na stawienie czoła tym dużym, centralnym zadaniom i zrozum, że niezależnie od tego, jak je wykonasz, są one częścią maszyny, która poprowadzi cały Twój pojazd do przodu.
1. Przeanalizowanie i przeanalizowanie scenariusza
Na początku przychodzi słowo. Scenariusze to pierwszy krok w realizacji wizji filmowej. Po wstępnym przeczytaniu pracy kilka rzeczy musi się wydarzyć. Oglądanie filmu w umyśle jest naturalne dla każdego czytelnika, ale reżyser musi wyobrażać sobie rzeczy zarówno przed, jak i za kamerą. Historie organicznie rozkwitają w psychice i to wystarczy na wstępną lekturę. Ale późniejsza recenzja musi skłonić reżysera do myślenia w kategoriach scen, momentów i bitów. Kiedy zbliżenie jest ważne? Czy kamera powinna się obracać, czy pozostać nieruchoma? Dynamika taka jak ta stawia na utworze podpis reżysera i trzeba zacząć nakreślać te idee w pierwszych kilku czytaniach. Może to być tak luźne, jak pisanie notatek na marginesach scenariusza lub tak zdyscyplinowane, jak pełne listy ujęć i podziały skryptów. Aby lepiej zrozumieć tworzenie scenorysów, przeczytaj nasz artykuł na temat scenariuszy tworzenia scenorysów. Ale w czytaniu nie może być bierności. Reżyser musi potraktować pracę pisemną jak krytyk, inżynier czy architekt, detektyw. Tutaj zaczyna się odkrycie i budowa filmu. To prawie jak praca magisterska. Włącz biegi – robisz film!
2. Pierwsza obserwacja – Storyboard
Następnie reżyser musi zacząć naprawdę widzieć, jak będzie wyglądał końcowy film. W tym momencie kamery są dalekie od toczenia, ale oczy i umysł potrzebują stymulacji wizualnej, która może pomóc utrwalić wizję tworzącą się w mózgu filmowca. Storyboard to nie tylko wizualne narzędzie dla reżysera – to także kluczowy środek komunikacji, którym należy się dzielić z obsadą i ekipą produkcji. Każdy dział będzie musiał odnieść się do tego narzędzia, ponieważ jest to jedyny punkt odniesienia dla tego, jak będzie wyglądał ostateczny fragment filmu. Niezależnie od tego, czy reżyserzy sami rysują storyboard, zatrudnią kogoś do tego, czy użyją oprogramowania do jego wykonania, ten proces jest kluczem w procesie tworzenia filmu, który łączy wyobraźnię z rzemiosłem za pomocą oka. Jest też marchewką dla filmowca: namacalnym artefaktem, który ożywia cały projekt w sposób, w jaki same scenariusze nigdy nie są w stanie osiągnąć. Jeśli chcesz, możesz przeczytać więcej o technicznej stronie tworzenia scenorysów.
3. Inni menedżerowie – personel produkcyjny
Zabierzmy pomysł na autorstwo od samego początku rozmowy – kręcenie filmów to proces oparty na współpracy. Z wyjątkiem bardzo małej garstki odważnych i błyskotliwych artystów eksperymentalnych, o których większość ludzi nigdy nie słyszała, nakręcenie filmu naprawdę wymaga wioski. I to nie wszyscy rzemieślnicy i rzemieślnicy. Jeśli dyrektor jest dyrektorem generalnym wizji, kadra produkcyjna to reszta struktury kierowniczej. Personel produkcyjny zajmie się milionem niewdzięcznych zadań od obsługi finansów po logistykę i niekończącą się papierkową robotę. Tworzą harmonogramy, organizują jedzenie i wyposażenie oraz upewniają się, że wszystko i wszyscy dotrą tam, gdzie muszą być, kiedy muszą tam być. Jak każdy pracownik artystyczny projektu, musi rozumieć potrzeby filmu. Rozwijanie dobrych relacji z tymi dobrymi ludźmi jest kluczowe dla reżysera, nie tylko po to, by maszyna działała sprawnie, ale by wspierać dobrą wolę, która spłynie na wszystkich zaangażowanych. Komunikuj się jasno z tymi ludźmi. Pomóż im pomóc Ci rozwiązać Twoje problemy. Rozpoznaj, kiedy osiągnęli własne ograniczenia i znajdź sposoby na obejście ich. Zaufaj im, że niosą wodę z filmu i zadbaj o to, by sami się napili. Kadra produkcyjna jest spoiwem, które to wszystko spaja. Spędź z nimi czas i daj im czas i przestrzeń na zapoznanie się z wymogami filmu.
4. Operator, okno na duszę filmu
To jedyna osoba, z którą reżyser spędzi najwięcej czasu na planie. Z definicji wszystko, co jest filmowane, dosłownie kręci się wokół kamery. A działem kamery kieruje operator (lub operator, czyli DP). Dla reżysera bardzo ważne jest opanowanie języka realizacji wizualnej. Musisz być w stanie dokładnie przekazać DP takie rzeczy, jak oświetlenie, kąty i temperatury barwowe. Powinni być w stanie sprawić, by wszystko wyglądało tak, jak chcesz, ale muszą być w stanie to zrozumieć od samego początku – na planie jest mało czasu na przerabianie starych utworów. Najlepiej zacząć rozmawiać z DP na etapie przedprodukcyjnym, aby mieć pewność, że są odpowiednio przygotowani. Aby dowiedzieć się więcej, przeczytaj nasz artykuł o tym, czym zajmują się operatorzy. Ale kiedy słowa i opisy zawodzą, reżyser musi przygotować się do omówienia uczuć, akcji, emocji i nastroju nie tylko ze strony aktorów, ale każdego elementu otoczenia. DP to w pewnym sensie pierwsza publiczność reżysera. Jeśli uda ci się skutecznie przekazać im pożądany efekt, mogą sprawić, że efekt ten zmaterializuje się dla wszystkich innych. Są pomostem z twojego mózgu do gałek ocznych publiczności.
5. Inni wirtuozi – Dział Sztuki
Kiedy kamery się toczą, niezależnie od tego, czy jesteś na zewnątrz, czy filmujesz wnętrze, każdy rejestrowany obiekt fizyczny musi wyglądać prawidłowo. Brzmi to głupio i oczywiste, prawda? Ale zastanów się, co to tak naprawdę oznacza: każda struktura, każdy przedmiot, każde ustawienie musi być tym, czego wymaga wizja. Oznacza to, że zestawy muszą być konstruowane, malowane i umieszczane. Oznacza to, że rekwizyty muszą być skatalogowane, dostępne i zgodne z instrukcjami skryptu. Oznacza wszystko, co nie jest przywiązane do aktora (np. ubrania i makijaż). W najlepszych okolicznościach reżyser będzie miał do współpracy armię kolegów artystów z różnych dziedzin. W fazie przedprodukcyjnej scenografowie dopracowują wygląd filmu. Scenografowie biorą tę pracę i tworzą plany ostatecznych scenografii. Zestawy komodowe przejmują stery, aby upewnić się, że wszystko wygląda dobrze i jest na swoim miejscu. Na każdym kroku reżyser musi mieć pewność, że wyjaśnia, jak ten obraz musi wyglądać. Czy naczynia na scenie obiadowej powinny mieć kwiatowe wzory? Czy pościg samochodowy wymaga chevroleta '57, aby wyglądał autentycznie? Czy spiralne schody dodadzą symboliki scenie, której nie odda proste? Reżyser musi to szczegółowo opisać i upewnić się, że dział artystyczny rozumie i dostarcza wszystkie te elementy. Dział artystyczny może również dodać własne sugestie, gdy poznają filmowaną wizję (może Buick z 1962 roku pasuje lepiej?). Tworzenie dobrych relacji roboczych z tymi rzemieślnikami i kobietami jest niezbędne dla każdego filmowca, który chce uchwycić obrazy w swoich głowach.
6. Aktorzy – ludzki dotyk
Mówi się, że w baseballu, jeśli nie masz dobrego rzutu, nigdy nie wygrasz meczów. W kręceniu filmów tę rolę odgrywają aktorzy. Produkcje mogą cierpieć z powodu kiepskich scenariuszy lub mogą pochwalić się literackimi arcydziełami. W obu przypadkach tylko dobrzy aktorzy mogą sprawić, że wszystko będzie działać. Jeśli publiczność nie może odnieść się do bohaterów, wszystko inne staje się puste i pozbawione sensu. Najbliższa osobista relacja, jaką reżyserzy muszą mieć z ekipą scenograficzną, z konieczności musi być z aktorami. Po podjęciu decyzji o obsadzie mądry filmowiec spędzi dużo czasu ze swoimi aktorami. Tak, jest próba, ale musi być więcej. Wyjdź na kolację z obsadą, chodź na mecz, chodź na długie spacery. Poznaj ich, ich życie osobiste, ich triumfy i tragedie. Zadaniem reżysera jest wywołanie w każdym momencie filmu właściwych emocji we właściwym czasie. Aktor będzie musiał sięgnąć do pamięci zmysłów – przywołać prawdziwe przeżycia, by przełożyć te emocje na przedstawienie – a reżyser będzie musiał wiedzieć, jak te mechanizmy przywołać. Czy główny aktor właśnie otrzymał złe wieści? Możesz to wykorzystać do sceny, w której protagonistka właśnie straciła pracę. Być może aktor grający antagonistę wygrał niedawno maraton, do którego trenowali. Można to wykorzystać w scenie, w której śmieje się, gdy w samą porę uciekł przed niebezpieczeństwem. W szczytowym momencie gra relacji aktor-reżyser jest delikatnym tańcem. Trzeba wykorzystać uczucia z prawdziwego życia; przyciski muszą być wciśnięte. Reżyserzy muszą sami grać, podsycając surowe bodźce emocjonalne, aby sprowokować aktorów do swojego rzemiosła. Ale jeśli zaangażowane strony nie są przygotowane do zapuszczania się w tajemne zakamarki umysłu, rezultatem będzie przeciętność. Pod koniec pędu potrzebny jest ostatni przypływ siły: dojrzałość, by wszystko odpuścić. To emocjonujący proces, jeśli jest zrobiony dobrze, a najlepsze filmy często płacą za to doświadczenie wieloma potężnymi emocjami.
7. Ludzie z charakterem – włosy, makijaż, kostiumy
OK, teraz, gdy skończyliśmy torturować obsadę, upewnijmy się, że wyglądają dobrze. Podobnie jak w przypadku każdego innego rzemiosła w produkcji, ludzie przebierający postacie są sami rzemieślnikami. Nie będziesz tu potrzebował fryzjera; zatrudniasz profesjonalnego stylistę, który musi umieć robić wszystko, od Marie Antoinette po punkrockowego irokeza. I nie tylko to – ponieważ produkcja może trwać miesiącami, te fryzury muszą wyglądać tak samo dzień po dniu. To nie jest łatwa sztuczka. Jeśli chodzi o makijaż, należy wziąć pod uwagę kilka aspektów. Przede wszystkim ostre światło, którego potrzebują filmy, aby oświetlić scenę, może sprawić, że ludzka skóra stanie się przezroczysta. Bez wystarczającej bazy, faktycznie zobaczysz żyły aktora – co być może działa w horrorze. Mówiąc o tym, makijaż może również oznaczać krew, wnętrzności i rany. Albo model spacerujący po wybiegu. Albo podbite oko – czy cokolwiek, naprawdę. Musi być tak samo słuszne, jak wszystko inne, aby uzyskać wiarygodność. Wreszcie mamy dział garderoby. Podczas gdy większość ludzi myśli o ludziach, którzy ubierają aktorów na stroje z epoki, nawet biała koszulka i dżinsy muszą być „takie”. Ubierasz mamę piłkarską czy pracownika fabryki? Czy pojawią się plamy potu, czy rzeczy będą nieskazitelne? Podejmowanie tych decyzji jest zadaniem reżysera, a konsultacje z profesjonalistami, którzy kształtują wygląd twoich postaci, są równie ważne jak wszystko inne. To nie tylko fashionistki, to ludzie, którzy ukształtują wygląd twojej obsady i przekażą widzom wewnętrzne ja fikcyjnego zespołu. Bądź z nimi cierpliwy. Przejrzyj strony z wzorami, pokosami kolorów i książkami stylów. To prawdziwi profesjonaliści, którzy muszą spędzać mnóstwo czasu twarzą w twarz z tymi samymi aktorami, którzy doprowadzają wszystkich na planie do szaleństwa. Daj im to, co im się należy, a potem trochę.
8. Domowy odcinek – postprodukcja
Gdy reżyser dostanie film do puszki, do gotowego produktu musi zajść cały szereg innych rzeczy. Podstawowym procesem będzie tutaj montaż filmu. Teraz ten scenorys, który zaczął wszystko, można ponownie wyciągnąć. Surowy materiał filmowy można przyciąć i zmontować w celu skonstruowania scen, a następnie zestawić sceny w celu stworzenia filmu. Na tym etapie pojawi się wiele możliwości, których storyboard nie mógł przewidzieć. Wpadki, dodatkowe ujęcia, problemy z wydajnością, utracone nagrania i wiele innych szczęśliwych i nieszczęśliwych wypadków będą skłaniać się do dalszej zmiany oryginalnej wizji i odtworzenia filmu. Dobry montażysta wysłucha potrzeb reżysera i znajdzie sposoby na kreatywne wzbogacenie oryginalnych pomysłów. Dobry reżyser da im do tego trochę miejsca. Redaktorzy są mistrzami tempa, montażu i wyczucia czasu. Wyczuwają sekwencję przed reżyserem. Widzą błędy w planie reżysera i przewidują możliwości, za które dyrektor będzie wdzięczny. Jeśli filmowiec potrafi odpowiednio przekazać ton filmu, jak powinien, a jak nie powinien się czuć, to mądry i empatyczny montażysta potrafi wyciągnąć z rękawa wiele wspaniałych sztuczek. Prawie w każdym przypadku namawiałbym reżysera, aby ten montaż powierzył komuś innemu. Może z tego wyjść prawdziwa magia. Inne kluczowe zadania na stanowisku to specjalne efekty wizualne, CGI, a może animacja. Możesz przeczytać więcej o efektach specjalnych i animacji, aby uzyskać więcej informacji. Podejście reżysera do tych prac jest podobne do omówionych wcześniej stanowisk w dziale artystycznym.
Ale filmy mają też dźwięk. Do największych prac pod tym względem należy projektowanie dźwięku, miksowanie dźwięku i oczywiście ścieżka dźwiękowa. Podobnie jak w przypadku każdego innego aspektu tworzenia filmów, reżyser musi ponownie być w stanie przekazać tym artystom, co dźwięk doda do opowieści. W przypadku projektowania dźwięku oznacza to wszystko, od hałasu otoczenia – autostrad, śpiewu ptaków, fal rozbijających się na plaży – po dźwięki spoza akcji, które mogą nadać scenom atmosferę. Na przykład filmy science fiction często używają dziwnych, nieziemskich dźwięków bez dostrzegalnego źródła, aby uwydatnić atmosferę fantastyki. Jeśli chodzi o miksowanie dźwięku, pytanie, jak głośne lub ciche są te rzeczy, może mieć duże znaczenie. Czy te ćwierkające ptaki uspokajają postacie w tle, czy też z wielką irytacją przerywają rozmowę? Musisz to wszystko połączyć. A potem jest potężna ścieżka dźwiękowa. Każdy kocha dobrą ścieżkę dźwiękową. Ale wyobraź sobie, że próbowałbyś podłączyć muzykę z Gwiezdnych wojen do filmu Straight Outta Compton ? Lub odwrotnie? Oba mają niesamowitą muzykę, ale oczywiście żadne z nich nie mogłoby pracować dla drugiego (chociaż byłoby to całkowicie zabawne). Tak więc ponownie, reżyser musi być bardzo pewny, aby przekazać kompozytorowi DOKŁADNIE, jakie idee i odczucia ma przekazać publiczności ścieżka dźwiękowa. Oznacza to wspólne spędzanie czasu i słuchanie muzyki. Zajmiesz się rockiem, muzyką klasyczną, a może merengue? Każdy film ma swój klimat, a partytura może przekazać widzom bogactwo informacji psychicznych – mam na myśli słuchaczy! Tak jak powiedział David Bowie, film jest darem dźwięku I wizji!
Kiedy wszystko zostało powiedziane i zrobione, reżyser to osoba, która żyje w służbie wizji. Najlepiej byłoby, gdyby była to własność dyrektora, ale klienci często mogą to dyktować, jak wyjaśniono wcześniej. Termin „komunikacja” widziałeś w kółko i to jest klucz: reżyser jest głównym empatą projektu. Musisz chłonąć informacje z głębią i intencją telegraficzną z dużą dokładnością. Mówienie i słuchanie muszą być zapewnione w równym stopniu. Bądź odważny, ale bądź miły. Bądź twardy, ale przygotuj się na zgięcie. Zawsze znajdą się ludzie, którzy mają lepszy pomysł niż ty. I zawsze będą ludzie, których będziesz musiał przekonać do swoich przekonań. Witamy na ostrzu brzytwy. Idź ostrożnie i pewnie, a możesz po prostu wymyślić coś wyjątkowego.
o autorze
Urodzony w Argentynie nowojorczyk Miguel Cima jest weteranem przemysłu filmowego, telewizyjnego i muzycznego. Znakomity pisarz, filmowiec i twórca komiksów, film Miguela, Dig Comics , zdobył nagrodę dla najlepszego filmu dokumentalnego na San Diego Comic Con i został wybrany do Cannes. Pracował dla Warner Bros. Records, Dreamworks, MTV i innych. Obecnie Miguel tworzy treści dla wielu platform i mediów. Jego formalne wykształcenie pochodzi z New York University, gdzie zdobył tytuł BFA w filmie. Światowy podróżnik, ćpun kultury i główny smakosz, od połowy 2000 roku jest szczęśliwie niezamężny z tą samą dziewczyną, poświęcony rodzinie i przyjaciołom oraz niewolniczo służy swoim prawdziwym panom - dwóm psom i kotowi.
© 2024 - Clever Prototypes, LLC - Wszelkie prawa zastrzeżone.
StoryboardThat jest znakiem towarowym firmy Clever Prototypes , LLC , zarejestrowanym w Urzędzie Patentów i Znaków Towarowych USA