Da sceneggiatura a Storyboard
Il cinema inizia dalla prima volta che sogni. Questo può essere il tipo di sogno addormentato, o il sogno ad occhi aperti, in cui la tua immaginazione ti porta in posti meravigliosi. In entrambi i casi, c'è un'immagine nell'occhio della mente. E per il momento, nessuno al mondo tranne te lo può vedere. In questo modo, siamo tutti registi. Ma ciò che separa il regista in buona fede da tutti gli altri è il loro bisogno di trasformare quei sogni in un vero film. E questo significa dedicarsi al duro lavoro per dare vita a quelle visioni.
La sceneggiatura viene prima: quella bozza finale dolce e completa è il primo miglio del tuo viaggio. Da qui in avanti, quasi tutto nel processo creativo diventa una solida realtà. Gli attori sono reali, gli oggetti di scena sono duri e morbidi, le cuciture del guardaroba si aprono, ti fermi nei luoghi e respiri l'aria. Ma prima di tutto ciò, la primissima visualizzazione del tuo film sarà lo storyboard.
Gli storyboard sono essenzialmente arte sequenziale - come i fumetti - che mostrano la progressione lineare dell'azione di un film come descritto nella sceneggiatura. Sebbene una sceneggiatura fornisca alcune istruzioni visive chiave, non è pensata per mostrare ogni singolo scatto, ogni movimento della telecamera, ogni primo piano o ogni modifica. Certo, verranno sottolineate le cose importanti, le cose che contano per il progresso della narrazione. Ma se ogni singolo pezzo di direzione fosse inserito in una sceneggiatura, si leggerebbe come istruzioni stereo.
È compito dello storyboard realizzare una rappresentazione grafica dell'andamento sequenziale del film. Pensalo come una presentazione della totalità del progetto che è disegnata piuttosto che fotografata. Una produzione cinematografica ben preparata utilizzerà uno storyboard per pianificare la pre-produzione , tenerlo a portata di mano sul set e fare riferimento ad esso durante il processo di montaggio.
Ma come generiamo uno di questi meravigliosi strumenti per il cinema? Iniziamo proprio da dove è iniziato il processo di realizzazione del film: nell'occhio della mente. Puoi già vedere il tuo video virale di YouTube, vero? Da lì, un po' di organizzazione e guida possono portarti allo storyboard.
Ecco le mie istruzioni passo passo per farlo. Ho diviso i passaggi in due metà: le basi per iniziare e le linee guida creative per far emergere la visione. Usali come vuoi - non è l'unico modo per fare le cose - ma questi suggerimenti e suggerimenti dovrebbero aiutarti a portare a termine il lavoro.
Identifica le tue scene
Lo storyboard delle tipiche 90-120 pagine di un lungometraggio è un processo lungo e arduo. Anche produrre lo spot di 30 secondi può richiedere un grande sforzo al regista. Ecco perché le scene devono essere prima suddivise in blocchi. Separare le scene e lavorarle un po' alla volta mentre si assembla il lavoro complessivo più ampio.
Ma come identifichiamo comunque “una scena”? Può essere più complicato di quanto pensi. Le scene sono inizialmente definite da due cose: luogo e tempo. Da lì deriva il contesto, che può incorporare o trascendere questi due elementi.
Prendiamo ad esempio Alice nel Paese delle Meraviglie. La loro storia inizia con Alice che sembra annoiata mentre prende lezioni da sua sorella in un giardino. Poi vede un coniglio con un orologio. La ragazza curiosa insegue il coniglio lungo un sentiero. Alla fine, lo segue in un buco, nel quale cade. Anche se tecnicamente, ci sono alcuni posti diversi in questa sequenza, è nello stesso periodo di tempo di base, fuori in giardino, e potremmo chiamare tutto questo insieme una scena.
Tuttavia, una volta che Alice cade nel buco, si trova in una realtà completamente diversa. È un buon posto per una pausa di scena? Anche se siamo nello stesso arco di tempo ininterrotto? Sì, perché ora il contesto è totalmente cambiato. Non più in una normale scena pastorale inglese, la nostra eroina fluttua in un paesaggio surreale di mondi capovolti e visioni folli. I nostri posti sono completamente cambiati e questo significa una nuova pagina per l'artista dello storyboard. Così:
- Alice, scena 1 – Inseguendo il coniglio per il giardino.
- Alice, scena 2 – Alice che cade nel mondo del buco.
Ma ora esaminiamo il problema del montaggio. Forse il montaggio più famoso di sempre è la scena classica di Rocky , in cui il pugile si allena con la musica a tema edificante. Vediamo Rocky che prende a pugni il sacco, Rocky che salta la corda e, naturalmente, Rocky che corre per strada con un milione di bambini che lo inseguono.
Ognuno di questi fotogrammi è una nuova scena? Ovviamente no. Anche se gli elementi del montaggio sono ambientati in luoghi completamente diversi in tempi completamente diversi, tutti questi insieme sono una scena.
Alla fine della giornata, ci deve essere una "sensazione" per definire una scena. Questa sensazione può riflettere molte qualità. Tematico, induttivo, sequenziale, cambio di scena, cambio di ritmo e molti altri "marcatori" possono creare il confine tra le scene. Come spettatore di film, hai assistito molte volte a queste transizioni. Come regista, li scoprirai.
Un'ultima nota su questo passaggio: NON deve essere confuso con una suddivisione dello script! È tutta un'altra palla di cera. Puoi leggere tutto nel nostro articolo sulla preproduzione.
Elenca i tuoi scatti
Questo è piuttosto semplice. Una volta identificate le scene, organizzale in un unico documento, nell'assoluto ordine cronologico come apparirebbero sullo schermo dopo la modifica finale. Puoi graffiarlo su carta o in un documento Word, ma si consiglia un foglio di calcolo digitale, in quanto può essere integrato in qualcosa di più grande che puoi utilizzare in pre-produzione e durante le riprese: un elenco di riprese di pre-produzione. Di nuovo, è un'altra cosa che puoi leggere nell'articolo sulla preproduzione . In ogni caso, mantieni questo semplice. È solo uno strumento di riferimento da cui visualizzare il tuo storyboard, anche se molto importante.
Rompi la scena
Ora che hai impostato i tuoi modelli, è ora di mettersi al lavoro. È qui che il regista ha davvero bisogno di impiegare l'immaginazione. Il trucco qui è vedere il montaggio del film prima che venga girato un fotogramma. Ogni cella dello storyboard dovrebbe corrispondere al modo in cui il regista prevede che la telecamera vedrà l'azione e qualsiasi movimento significativo che la telecamera o gli abitanti della scena faranno. Prendi il tuo copione e studia la scena. Evoca come scorreranno i tuoi scatti assemblati. La fotocamera cambierà angolazione? Ci sarà movimento di un personaggio o di un oggetto di scena? La posizione cambierà?
Torniamo ad Alice contro Rocky.
Con Alice, la ripartizione della scena del Coniglio potrebbe assomigliare a questa:
- Campo lungo di un giardino, Alice sdraiata con l'aria annoiata; sorella che legge.
- Primo piano Alice – uno sguardo di sorpresa sul suo viso.
- Angolo su coniglio: un nuovo angolo rivela un coniglio bianco con un orologio.
- Tracking Shot – Alice corre verso il Coniglio.
- Zoomate sulla buca mentre il coniglio vi salta dentro.
- New Angle – Alice la segue, saltando lei stessa nel buco.
Il regista prenderà ciascuno di questi battiti e disegnerà le immagini in ogni cella in sequenza. Questa pagina dello storyboard sarà di sei pannelli o lunga circa una pagina.
Con il montaggio di Rocky, stiamo guardando forse dozzine di scatti, che si estendono su pagine di celle dello storyboard. È il sacco da boxe, il salto della corda, la corsa. Ma è anche un sacco di parti diverse della città in cui sta correndo, e in diversi momenti della giornata. C'è la corda che salta come un colpo completo in palestra, e come un altro colpo fatto come un primo piano dei piedi di Rocky. E così via.
Quindi, sei pannelli di storyboard per l'incontro con il coniglio di Alice su una pagina. E forse 40 pannelli per il montaggio di Rocky su 8 pagine di storyboard. Entrambe le scene dureranno circa un minuto sullo schermo. Ciò che rende diversa la durata del processo è dettata dalle esigenze di storyboard della sceneggiatura e del regista.
OK, ora che conosci il "how-to" di base del processo dello storyboard, possiamo passare all'importante approccio creativo. Questo segnerà la prima volta che diventerai un regista come artista in termini visivi. Lo stile della tua fotocamera, l'assemblaggio del tuo schema di montaggio, i motivi e la sensazione saranno arricchiti. È ora di imparare come rendi il tuo film veramente TUO.
Circa l'autore
Il newyorchese argentino Miguel Cima è un veterano dell'industria cinematografica, televisiva e musicale. Un abile scrittore, regista e creatore di fumetti, il film di Miguel, Dig Comics , ha vinto il miglior documentario al Comic Con di San Diego ed è stato selezionato per Cannes. Ha lavorato per Warner Bros. Records, Dreamworks, MTV e molti altri. Attualmente, Miguel crea contenuti per più piattaforme e media. La sua formazione formale proviene dalla New York University, dove ha conseguito un BFA nel cinema. Viaggiatore mondiale, drogato di cultura e grande buongustaio, è felicemente sposato con la stessa ragazza dalla metà degli anni 2000, dedicato alla sua famiglia e ai suoi amici, e serve con servi i suoi veri padroni: due cani e un gatto.
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