Desde el principio del proceso creativo, la imaginación está en juego. Antes de que algo exista, debe visualizarse en la mente. Esto sucede en el cine a lo largo de todo el camino. Primero hay que escribir el guión, un ejercicio de texto necesario que no permite imágenes iniciales. Luego viene el guión gráfico. En este punto, cobra vida la primera chispa de lo que hay dentro de la mente del artista. Las secuencias se trazan gráficamente, proporcionando fotogramas clave para el progreso de la película. Es una revelación registrar esto con los ojos por primera vez. Una vez que la producción comienza a funcionar, todo se vuelve real. Un director debe revisar la utilería y el vestuario, audicionar y elegir actores, explorar y aprobar ubicaciones, etc. Cuando finalmente llega ese momento candente (filmar en el set), estás viendo tus escenas de una vez por todas, ¿verdad? Bueno, no del todo…
Efectos visuales. Ingrese al área muy amplia de los efectos visuales especiales. Los efectos VFX implican el uso de tecnología digital para crear, mejorar o modificar elementos visuales que pueden resultar poco prácticos, peligrosos o imposibles de capturar con la cámara. En lo más profundo de la historia del cine, se han empleado varias técnicas para insertar imágenes que no fueron filmadas en el set con cosas que sí lo fueron. El presente y lo que aún no está aquí acabarán compartiendo pantalla. Los efectos especiales en las películas son técnicas cuidadosamente elaboradas que se utilizan para crear momentos cautivadores y visualmente impresionantes que mejoran la experiencia cinematográfica general. Hoy en día, es de conocimiento común que hay un poco de CGI (imágenes generadas por computadora) en casi todas las películas de Hollywood. Pero ya en la década de 1890, los cineastas utilizaban métodos inteligentes para agregar elementos a las películas mediante trucos en la cámara, edición inteligente y exposiciones dobles. Los efectos especiales de películas abarcan una amplia gama de técnicas, incluidos efectos prácticos, imágenes generadas por computadora (CGI) y efectos visuales (VFX), todos trabajando juntos para crear imágenes impresionantes en la pantalla grande. A pesar de que la era digital ha hecho que muchas de estas técnicas tradicionales sean mucho menos comunes, prácticamente todas todavía se utilizan en la actualidad.
Los ejemplos de efectos especiales en películas pueden variar desde secuencias de acción explosivas con intrincadas pirotecnia hasta la perfecta integración de criaturas fantásticas en imágenes de acción real. Independientemente de cómo se logren los efectos visuales especiales, siempre se ha presentado a los cineastas un desafío central: ¿cómo se puede filmar una escena cuando gran parte de ella no se puede ver en absoluto? Una vez más, el cine digital ha reducido este desafío en gran medida. Pero, en última instancia, los actores necesitan actuar contra personajes y acontecimientos que no están sucediendo. La cámara debe registrar un espacio negativo que aún no conoce. Y como siempre, el director siempre debe ser consciente de cómo será la escena final editada, esta vez sin nada en el set que mirar. Hay muchas formas de hacer esto, pero varía según las técnicas que se empleen. La composición digital es un proceso crucial en efectos especiales donde se combinan múltiples elementos visuales, capa por capa, para crear una imagen final coherente y realista. A continuación se detallan algunos de los efectos visuales más comunes utilizados en películas de acción real y cómo el cineasta puede abordar el dominio del arte de "hasta luego".
Hay una gran cantidad de ejemplos famosos de películas que tienen personajes animados que interactúan con el mundo "real" de la película. Los ejemplos clásicos incluyen películas de Disney como Mary Poppins y ¿Quién engañó a Roger Rabbit? Después del hecho se agregaron personas y animales animados dibujados a mano, mientras que los actores tendrían que jugar contra accesorios que reemplazaban a sus contrapartes vivas. Más recientemente, se ha utilizado CGI para cumplir esta función, como en La vida de Pi y La piel de gallina . La buena noticia para los realizadores es que un guión gráfico bien elaborado servirá como guía en la preproducción para que el elenco y el equipo se familiaricen con la idea de cómo serán los cuadros y secuencias finales. Cuando se combina con ilustraciones de personajes y representaciones del diseño de producción, se puede captar una imagen completa para ayudar a traducir no solo la acción, sino también el estado de ánimo de lo que se agregará más adelante. Los actores de doblaje también pueden estar presentes en el set para agregar un elemento auditivo que puede ser especialmente beneficioso para las personas que dan sus líneas en el set.
Uno de los trucos más antiguos del libro de efectos visuales especiales es el uso de miniaturas. Tradicionalmente, esto significaba construir modelos a escala de entornos para representar conjuntos muy grandes, como ciudades enteras, vehículos enormes, estructuras enormes, etc. Ya en la era del cine mudo, películas como Metropolis utilizaban miniaturas para representar una ciudad del futuro, con piezas móviles. Los actores tendrían que mirar hacia el vacío e intentar hacernos creer que estaban contemplando un escenario asombroso. Si bien el primer vistazo a las miniaturas ocurre en el guión gráfico, es en el proceso de diseño de producción donde los realizadores obtienen el primer vistazo real a los detalles de los modelos que se construirán. Una vez que los artesanos se ponen manos a la obra para construirlos, todo el equipo puede tener una visión real de lo que aparecerá en la pantalla. Si bien no todas las producciones pueden tener acceso a miniaturas completas antes de filmar en el set, incluso los primeros ejemplos deben compartirse con el personal clave de producción y el elenco. Hay un elemento táctil al estar frente a miniaturas finamente construidas que realmente se hunde en los globos oculares. Incluso puedes tocarlos (¡con cuidado!). Tener tiempo cara a cara con lo que aparecerá en la pantalla más adelante beneficiará a la producción.
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Otro método tradicional para agregar entornos a gran escala es el Matte Painting. Hay algunas formas diferentes de hacerlo, pero esencialmente, un artista pinta una pieza fotorrealista muy detallada, a menudo a gran escala, para representar lo que un decorado no podría representar. Los actores están bloqueados en el marco para no romper los bordes del mate que se agregará más adelante. El Mago de Oz los empleó con gran efecto, especialmente cuando Dorothy y la pandilla ven por primera vez La Ciudad Esmeralda a lo lejos. Star Wars también los usó en tomas como la bahía de carga de la Estrella de la Muerte: ¡esos cientos de Storm Troopers fueron literalmente atraídos! Los guiones gráficos suelen ser clave para la comprensión inicial de cómo se verán estos fotogramas cuando se integren las imágenes, pero todo eso queda mucho más claro con el diseño de producción. En el pasado, es posible que estas pinturas especializadas no estén listas para ser vistas cuando las cámaras filman el set. Hoy en día, los mattes digitales son los más comunes y el acceso temprano a las imágenes puede hacer que todo el equipo esté en sintonía.
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Hay cierto encanto en la animación stop motion, incluso si el producto final no puede enmascarar lo que es. Desde viejos clásicos como King Kong hasta Anomalisa , nominada al Oscar en 2015, exponer modelos totalmente posables, fotograma a fotograma, tiene una textura que el CGI nunca podrá recrear. Figuras como muñecos, vehículos de juguete, arcilla o casi cualquier materia prima que un cineasta desee animar se filman minuciosamente en docenas de poses por segundo de película para recrear la ilusión de movimiento. Las primeras pruebas pueden dar al elenco y al equipo una idea muy concreta de lo que aparecerá junto a ellos en la pantalla en la posproducción, ofreciendo una experiencia de conexión a tierra donde antes solo se enfrentaban a un espacio en blanco en el set. Los cineastas pueden preparar la producción incluso antes compartiendo guiones gráficos y diseño de personajes antes de la fotografía stop motion. Y dado que es común que las técnicas de stop motion también empleen mattes, miniaturas e incluso animación, a menudo hay disponible una fuente de referencia mucho más profunda para preparar a todos los involucrados para su papel en el producto final.
Todo el mundo parece amar a los gemelos. Y clones. O tal vez robots con un parecido sorprendente con un protagonista. Cualquiera que sea el caso, cada vez que ves un doble de un personaje en la pantalla, casi invariablemente estás viendo la técnica de duplicación (en lugar de usar gemelos, trillizos, etc. de la vida real). Y en la era digital, la duplicación puede fácilmente volverse loca, de la misma manera que los múltiples avatares del Agente Smith parecen multiplicarse sin cesar en las películas de Matrix . La duplicación coloca la carga directamente sobre el actor: ¿cómo juega uno contra sí mismo? Al principio de la preproducción, un guión gráfico puede ayudar al elenco a idear una estrategia física para expresar las yuxtaposiciones de sus distintos yoes. En el pasado, un diálogo previamente grabado o un actor que ofrecía un diálogo de contrapartida eran de gran ayuda para el actor que duplicaba su papel. La era digital permite la repetición instantánea y la integración de actores duplicados, de modo que literalmente puedan verse a sí mismos actuando contra sí mismos allí mismo, en el set, si es necesario. Pero, como siempre, realizar pruebas tempranas con la tecnología disponible puede hacer un trabajo aún mejor en la preparación del rendimiento.
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El efecto visual especial del que más se habla es también aquel en el que la gente no parece apreciar lo suficiente su profundidad. Las imágenes generadas por computadora pueden literalmente mostrar cualquier cosa en una pantalla, desde vastos paisajes que ni siquiera existen hasta enormes ejércitos llenos de personas digitales en lugar de extras en el set. La tecnología digital permite pintar y animar escenas literalmente de la forma que elija el cineasta. Y, si así lo desea, puede reemplazar cualquier otra forma de efecto discutida aquí hasta ahora. Aun así, hay muchas razones para seguir usando miniaturas, mates y modelos, y muy a menudo CGI se mezcla con otros medios para crear secuencias cinematográficas. Lo bueno del proceso es que a menudo se puede interactuar con los elementos “faltantes” en el set a través de un compuesto integrado en un monitor. Esto le da al elenco y al equipo una enorme ventaja a la hora de llenar los vacíos que faltan frente a la cámara. Pero antes de que eso suceda, el cineasta debe asegurarse de pedir lo que quiere. CGI es un proceso costoso que requiere gran experiencia y un gran equipo técnico que opera software y hardware costosos. Si bien existe el lujo de “borrar” resultados que a uno no le gustan, existe el riesgo de enormes sobrecostos al cometer tales errores. Es mejor utilizar métodos más baratos antes. Herramientas como guiones gráficos, diseños de producción y clips de prueba nunca deben desecharse, incluso si habrá composiciones digitales disponibles en el set. Hacer todo bien desde el principio puede ahorrarles a los cineastas mucho tiempo, dinero y dolores de cabeza.
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En el ámbito del cine, los efectos especiales abarcan técnicas prácticas como explosiones y animatrónica, mientras que los efectos visuales utilizan tecnología digital para crear o mejorar elementos que son difíciles o imposibles de lograr en la práctica. Los efectos especiales se centran en trucos de cámara y manipulación física, mientras que los efectos visuales se extienden más allá de la realidad, empleando CGI y composición digital. Juntas, estas disciplinas se combinan para ofrecer espectáculos visuales cautivadores que traspasan los límites de la imaginación en la industria.
El neoyorquino nacido en Argentina Miguel Cima es un veterano de las industrias del cine, la televisión y la música. Un exitoso escritor, cineasta y creador de cómics, la película de Miguel, Dig Comics , ganó el Mejor Documental en el Comic Con de San Diego y fue seleccionado para Cannes. Ha trabajado para Warner Bros. Records, Dreamworks, MTV y más. Actualmente, Miguel crea contenido para múltiples plataformas y medios. Su educación formal provino de la Universidad de Nueva York, donde obtuvo un BFA en cine. Viajero mundial, adicto a la cultura y gran entusiasta de la comida, está felizmente casado con la misma chica desde mediados de la década de 2000, dedicado a su familia y amigos, y sirve servilmente a sus verdaderos amos: dos perros y un gato.
CGI (imágenes generadas por computadora) y los efectos prácticos son excelentes ejemplos para analizar dos efectos visuales que se han utilizado en películas populares.
CGI (imágenes generadas por computadora): CGI es una técnica digital que permite a los cineastas crear y manipular imágenes utilizando software de computadora. Ha revolucionado la industria cinematográfica al permitir la creación de criaturas realistas, entornos fantásticos y secuencias de acción espectaculares. Películas taquilleras como "Avatar", "Avengers: Endgame" y "Jurassic Park" han mostrado el inmenso potencial del CGI para llevar mundos imaginativos y efectos visuales impresionantes a la pantalla. A través de CGI, los cineastas pueden combinar a la perfección imágenes de acción en vivo con elementos creados digitalmente, lo que da como resultado una integración perfecta y experiencias visuales realistas.
Efectos prácticos: los efectos prácticos se refieren a las técnicas físicas utilizadas en el set para crear ilusiones visuales. Implican el uso de accesorios reales, maquillaje, modelos, miniaturas, pirotecnia, animatrónica y otros métodos tangibles. Los efectos prácticos tienen una larga historia en el cine y han sido responsables de algunos momentos icónicos del cine. Desde los innovadores efectos de criaturas en "Alien" hasta las alucinantes acrobacias de la serie "Misión: Imposible", los efectos prácticos brindan una experiencia tangible y visceral tanto para los actores como para el público. Los cineastas suelen combinar efectos prácticos con CGI para lograr una combinación perfecta de elementos del mundo real y mejoras digitales.
Varias películas han alcanzado fama por sus innovadores efectos visuales, revolucionando la industria y elevando el listón para futuras películas. "Jurassic Park" (1993) sorprendió al público con su retrato realista de dinosaurios utilizando imágenes generadas por computadora (CGI). "The Matrix" (1999) introdujo el icónico efecto de tiempo de bala, remodelando las secuencias de acción. "Avatar" (2009) traspasó los límites de la captura de movimiento y el CGI para crear un mundo alienígena visualmente inmersivo. "Inception" (2010) mostró efectos visuales alucinantes, incluidas peleas en gravedad cero y secuencias de plegado de ciudades. "Gravity" (2013) describió la inmensidad del espacio a través de una perfecta integración de acción en vivo y CGI. "Interstellar" (2014) combinó efectos prácticos, miniaturas y CGI para explorar los viajes espaciales y los agujeros negros. Estas películas han dejado un impacto duradero, inspirando a futuros cineastas a traspasar los límites de los efectos visuales.
VFX significa "efectos visuales" en el cine. Se refiere al uso de tecnología digital, imágenes generadas por computadora (CGI) y otros elementos visuales para mejorar o crear secuencias visuales que son difíciles o imposibles de lograr únicamente por medios prácticos. Los efectos visuales en el cine abarcan una amplia gama de técnicas, incluida la creación de entornos realistas, la animación de criaturas fantásticas, la simulación de fenómenos naturales como el fuego y el agua y la adición de mejoras visuales a las imágenes de acción en vivo. Los artistas de VFX desempeñan un papel crucial en el proceso de realización cinematográfica, utilizando software y técnicas especializados para dar vida a mundos imaginativos y efectos visuales extraordinarios en la pantalla grande.